EL RENACIMIENTO

EL RENACIMIENTO

El renacimiento tuvo su cuna en Italia por la confluencia de distintas circunstancias: poca vigencia del gótico, recuerdo vivo de la antigüedad romana a través de las ruinas, llegada de muchos pensadores griegos huidos de los turcos, prosperidad económica de las ciudades italianas, aparición de una rica burguesía que ejercerá un importante mecenazgo...

El renacimiento es el periodo más mitificado de la historia del arte, considerado insuperable en belleza y perfección.

Supone el abandono de las formas góticas y la vuelta de los modelos artísticos del mundo clásico: Grecia y Roma.

     

        Ideales:

• Restauración de temas y formas de la antigüedad. 

• Medida humana: el hombre es la nueva medida de todas las cosas. Antropocentrismo frente al teocentrismo medieval. Humanismo. 

• Búsqueda de la belleza a través de la armonía y la proporción. El origen de la belleza se hallará en el conocimiento científico y en la autoridad de los clásicos.                                                                      

• Intento de plasmar la naturaleza de manera científica a través de las matemáticas y la geometría. Se crea la perspectiva artificial. El espacio ya no será abstracto y simbólico sino real. 

• Arte y artista: se produce el cambio entre una consideración del arte como actividad manual a una actividad liberal. Durante el s. XV el artista es aun artesano aunque ya no se iban introduciendo cambios. Poco a poco se fue demostrando que el conocimiento científico era imprescindible para la creación de la obra. En el s. XVI se producirá la revalorización del artista, ya no se valorará solo su obra sino también su “genio”. 

• Mecenazgo: en el Renacimiento aparece un matiz nuevo, estableciéndose nuevas relaciones mecenas-artista-obra.

PINTURA DEL RENACIMIENTO ITALIANO

Características generales: la pintura renacentista tiene su origen en el resurgir de la tradición clásica de una pintura tridimensional en la que las formas aparecen situadas en espacios reales, relacionadas entre sí y con el ambiente son un sentido de la proporción y la medida que es el justo de la naturaleza, y en la que el color deja de ser ornamental para convertirse en algo esencial y constitutivo de las formas.

Este nuevo estilo que surgirá en Italia a comienzos del S.XV tiene sus antecedentes más próximos en Giotto que marcara el camino con sus pinturas centradas en el hombre y l naturaleza y marcadas por la búsqueda de la perspectiva y el modelado por medio del claroscuro. También la pintura contemporánea de los primitivos flamencos del S.XV influirá con su técnica del óleo y su estilo realista, minucioso, preocupado por el mundo concreto.

Evolución artística:

Durante el S.XV: los pintores italianos agrupados en múltiples escuelas; Florencia, Umbría, Padua, Venecia, etc. Trabajarán en la búsqueda de las soluciones a los problemas técnicos: la perspectiva, las proporciones, la luz, etc. El idealismo neoplatónico y aristotélico, más realista, serán las corrientes de pensamiento que nutrirán a los pintores. Las técnicas más utilizadas serán: el fresco para la pintura mural, cultivada por todos los grandes maestros, el temple sobre tabla, dominante en la pintura de caballete y a fines de siglo se interrumpe por influencia flamenca en la escuela veneciana la técnica del óleo aplicado sobre tabla. El dibujo perfecto es dominante y aunque el color ya no es decorativo como el gótico todavía el dibujo es lo que constituye las formas. La luz natural y su efecto sobre las formas es objeto de intensos estudios por parte de muchos autores, en general la luz en el s.xv se utiliza para reforzar los efectos de volumen y de línea. Las composiciones equilibradas y basadas en la simetría y geometría se vuelven algo más recargadas de personajes y elementos en la segunda mitad del siglo por influencia del sentido descriptivo y minucioso de la pintura primitiva flamenca.

La perspectiva lineal es el gran logro de este siglo, las escenas aparecen, lo mismo que los retratos y figura, ambientados en paisajes naturalistas aunque algo simplificados o en arquitectura clásica. El movimiento es estudiado a través de las más variadas actitudes de la figura humana. Los temas son religiosos, la figura humana vestida y desnuda y el retrato, los temas mitológicos y alegóricos.

Durante el S.XVI: resueltos los problemas técnicos, la pintura no tendrá más preocupaciones que la búsqueda de la belleza ideal, lográndose la plenitud de este ideal estético basado en el origen, la armonía, el equilibrio y la grandiosidad durante el primer tercio del siglo. Ello representa la culminación del ideal humanista.

Con relación al siglo anterior encontramos como novedades la simplificación de formas y composiciones en las que se propugnan los esquemas geométricos sencillos, simétricos y cerrados. La claridad e los temas. Los colores sobrios armoniosos en sus combinaciones. El dibujo sigue dominando. El movimiento es todavía estudiado con pasión. La técnica del óleo se generaliza aplicándose por primera vez sobre lienzo en la escuela veneciana, continúan los grandes conjuntos al fresco.

En este S.XVI la escuela veneciana adquiere su plenitud con rasgos propios muy diferentes de las de los pintores de Florencia o Roma, la pintura veneciana se caracteriza por aplicación del óleo sobre un bastidor con lienzo, la pintura veneciana se caracteriza por el dominio de la luz y del color sobre el dibujo, el color además se aplica a pinceladas anchas, sueltas. Las composiciones muy complejas con multitud de personajes, fondos arquitectónicos grandiosos o paisajes que envuelven de forma total a las figuras.

El movimiento es en ocasiones más dinámico con atrevidos escorzos y composiciones con puntas de vista bajos. La temática como ya ocurría en el S.XV refleja en esta escuela el ambiente, la sociedad y la vida de esta ciudad única, amante de la vida. Dominan los temas mitológicos y paganos, proliferan los desnudos sensuales con mujeres corpulentas, lujosas, los retratos tienen una inmediatez y una viveza únicas, derivadas de la práctica de pintarlos sobre modelo vivo.

• A mediados del S.XVI, muertos los grandes maestros surge el MANIERISMO, fenómeno complejo con el que finaliza el renacimiento y que puede considerarse como precursor del Barroco, refleja la crisis espiritual que sacude Europa y particularmente Italia durante la segunda mitad del S.XVI. 

• Es un movimiento ligado a círculos cultos e intelectuales lo que da lugar a un arte complejo, intelectualizado, algo pesimista y extravagante, y muy refinado. 

• Los temas se hacen difíciles en su compresión con fuerte carga alegórica, literaria, etc. 

• Las composiciones se complican apareciendo líneas abiertas y movimientos ondulantes, los fondos. 

• espaciales se distorsionan bien eliminándose artificialmente, lo que produce sensación de asfixia espacial, bien creándose perspectivas infinitas. 

• El dibujo es predominante, depurado; el color es refinado, lleno de efectos tonales.

•  La realidad es deformada. 

• La luz es irreal. 

• Las formas se alargan. 

• Muchas de las formas, las figuras, los modelos utilizados por los manieristas derivan de los de los grandes maestros, pero son utilizados de manera anticlásica, amanerando, exagerando con extreme libertad su estilo.

Principales autores:

PINTURA DEL s.XV. EL QUATROCENTO

Primera generación:

FRA ANGELICO

En su pintura predomina lo espiritual e intimista. Pintor devoto, prefiere los temas gozosos a los trágicos y si los trata es con significado místico. Buscó la belleza transcendente, intemporal, equilibrada. Consideraba el arte como un medio para alcanzar la perfección de Dios.

En Fra Angélico encontramos reminiscencias del goticismo medieval, dorados, color preciosista, amor a lo curvilíneo...

Destaca su obra del convento de San Marcos

Anunciación: temple. Contrasta la arquitectura y el detallismo del paisaje. Tratamiento idealista y celestial de las figuras. Dulzura y delicadez. Al final de su vida se dejó llevar por lo que siempre le había preocupado: el volumen, el naturalismo...

MASSACCIO

Fue el gran innovador de la pintura del S.XV. representa mucho en la conquista de los valores táctiles. Recupera la monumentalidad giottesca, sus figuras son de volumen firme y compacto. Evita lo anecdótico y acentúa lo sustancial. Su capacidad descriptiva nos acerca a la realidad. Sus figuras, se fusionan con el ambiente. Su composición es racionalista, su realidad es mensurable matemática y geométricamente, su herramienta de trabajo es la perspectiva.

Maestro del dibujo y del color, pero sobre todo del estudio genial de luces y sombras.

Su arte renovará radicalmente las formas góticas.

La Trinidad: fresco. Santa María Novella. En un marco arquitectónico renacentista: arco flanqueado por pilastras, bóveda de cañón casetonada, aparecen: La trinidad, san Juan, María y los donantes, abajo un sepulcro. Gran estudio de perspectiva lineal

Adán y Eva: primeros desnudos del renacimiento. Por primera vez aparece el tema (expulsión del paraíso) tratado dramáticamente. Figuras modeladas plásticamente a traes del juego de luces y sombras. Ambos andan impulsados por un sentimiento profundo de reflexión y vergüenza. Profundo tono humano.

Tributo al Cesar: en un paisaje semidesértico aparecen representadas tres escenas consecutivas del mismo suceso. Tras el temor se esconde una exaltación del poder y de la obediencia.

Total integración figuras-paisaje, entendidas ambas en una misma unidad de perspectiva. Pese a la isocefalia hay profundidad por el uso de la perspectiva, el ligero difuminado, el contraste de colores...

FILIPPO LIPPI

Da un mayor valor humano y sentimental a sus figuras, que por otra parte suelen repetir un modelo constante.

Así pues, como característica de su obra podemos citar la delicadez, el sensualismo, la limpieza en el dibujo, el idealismo, su amor al detalle, también le preocupo la plasmación del movimiento, pero en general no se plantean grandes problemas técnicos.

Pintor de deliciosas madonas (figuras en primer plano y fondo de paisaje) y otros temas más religiosos.

UCELLO

Pretendía resolver geométricamente los problemas de la composición y de la perspectiva. Trata de crear volúmenes y para ello usa tintas planas contrastadas que generan un intenso dinamismo y una gran plasticidad.

Batalla de san romano representa los espacios como si fueran escenarios teatrales de ficción. El paisaje parece un telón de forma que parece más un torneo que una batalla. Ingenuidad. Los violentos escorzos de los caballos y la disposición de las lanzas contribuyen a crear la ilusión de penetración en el cuadro de profundidad.

Por una parte Ucello tienen elementos tradicionales del gótico internacional: como los espacios ficticios y convencionales y por otra parte tienen elementos innovadores: interés por la perspectiva, escorzos...

Condottiero acuto: fresco. Santa María de las flores. Florencia. Se anticipa a la estatuaria ecuestre renacentista. Puntos de vista diferentes para el basamento y para el jinete.

PIERO DELLA FRANCESCA

Sus obras son distantes, frías e impersonales. Siempre evito que las figuras fuesen un vehículo de sentimientos. Creo un mundo de figuras monumentales, escultóricas y estáticas, rodeándolas de una suave atmósfera luminosa. Sus figuras como las de Ucello están congeladas en sus propios movimientos, trágicos, inmóviles.

Gran estudioso de la perspectiva y de las posibilidades de la luz para armonizar fondos y colores, de delicadas matices.

Valoró mucho la geometría como elemento fundamental de la plástica de que el mundo que nos presente sea ordenado, sereno, geométrico, sin dramatismo ni movimiento.

Destacan los frescos de las basílicas de san francisco de Arezzo. 

la segunda generación:

BOTTICELLI

Pintor más destacada de esta segunda generación es un ejemplo de cómo el gusto por lo florentino va caminando hacia mod3los más refinados a medida que avanza el siglo. Fue el pintor favorito de los Medicis. Aprendió de Lippi. Pintor dotado de gran sensibilidad no le preocuparon las conquistas técnicas ni el espacio ni la perspectiva, ni el realismo. Su obra destaca por su sensibilidad exquisita, su lirismo y armonía que son reflejo del concepto de belleza ideal del S.XV.

Su obra es más poética que naturalista. Mas amante del dibujo que del modelado plástico su dibujo nervioso, puro arabesco. Los rostros son dulces y nostálgicos, sus figuras refinadas y bellísimas, de melancólicas sonrisas.

Los fondos son para el puro pretexto decorativo, totalmente convencionales, de ahí la sensación de irrealidad de muchas obras. También la luz es convencional, los colores suaves, claros. Técnicamente su obra no supuso un gran avance ya que le interesaron más los efectos más románticos y sentimentales, la belleza, la delicadeza...

Trabajo temas religiosos y fue el principal interprete de la alegoría pagana. Su obra alegórica solo fue comprensible para un grupo de iniciados. Al final de su vida su obra se torna más patética.

La alegoría de la primavera: inspirado en las metamorfosis de Ovidio. Traspone el pensamiento neoplatónico que antepone la belleza ideal a la real, el intelecto a los sentidos.

Suavidad del modelado, delicadeza general, transparencia de luces, escasa sombras, figuras cimbreasteis, sutiles ritmos, vestidos fluctuantes y transparentes.

Nacimiento de Venus: Venus nace de la fecundación del mar por Urano. Él más bello poema al desnudo femenino. Todo es ritmo, ternura, melodía y poesía. Sus cuerpos no son musculosos porque a el no le interesa la anatomía. Sus cuerpos son etéreos. Mezcla lo pagano y lo cristiano. La Venus tiene apariencia de diosa y de Virgen. El cuadro es de apariencia profana pero también religiosa. El paisaje es como en símbolo.

PERUGINO

Muy famosos en su época. Maestro de Rafael. Gusto por crear vastas ordenaciones espaciales equilibradas con edificios. Armonía y dulzura en sus tipos.

Entrega de llaves a san Pedro: síntesis de arquitecturas modernas y antiguas. Personajes evangélicos y contemporáneos. Gran unida espacial y compositora. Su arte sintetiza un poco las principales aportaciones renacentistas.

A finales del XV se pintan las paredes de la sixtina con frescos, colaborando Ghirlandaio, Perugino, Botticelli, Signorelli... ofreciendo el conjunto más monumental de la pintura italiana del Quatrocento.

MANTEGNA:

Se distingue por la energía escultórica con que construye las figuras. Ataca todos los problemas de la perspectiva creando maravillosos escorzos. En muchas ocasiones utiliza puntos de vista bajos. Color sobrio aunque de ricos matices. También posee el sello de lao dramático.

Cristo muerto: soberbio estudio anatómico y de perspectiva. Formas pétreas, tratamiento escultórico. Sobriedad en el color.

PINTURA DEL s.XVI. EL CINQUECENTO

LEONARDO DA VINCI

Se formó en Florencia en el taller de Verrochio con el que colaboro en alguna obra. Pronto destaco su talento pictórico. Trabajo en Milán como arquitecto, escenógrafo, ingeniero, pintor...

Tras la caída de sforza en Milán, Leonardo se traslada en Florencia donde pinta la Giocconda.

Tras breves estancias en Milán y roma, acepta la invitación de Francisco I, rey de Francia y allí pasara lo últimos años de su vida, pintando san Juan bautista, ampliando y ordenando sus estudios.

En su pintura destacan: la composición y la luz que constituyeron sus dos principales problemas. El primero lo resolvió creando composiciones equilibradas gracias a su capacidad dibujistica y al juego de triángulos. Para él, la luz fue un elemento que fusionaba los contornos. Leonardo consigue el esfumato, un difuminado que funde las figuras y ambiente, y lo envuelve todo en una débil neblina que aterciopelada las superficies. También logra efectos de atmósfera densa que da sensación de lejanía al diluir los tonos y desdibujar las formas perspectiva aérea. A ellos hay que unir la ola de sugestión, enigma y misterio suelen inundar sus obras.

La virgen de las rocas: composición triangular. Gran maestría en el uso de las luces y las sombras como método expresivo, creados así una atmósfera tensa y cargada de misterio.

La ultima cena: plena fusión de figuras y ambiente. Pintado al fresco se halla muy mal conservado. Se compone con arreglo a rigurosa perspectiva central. Agrupa a los apóstoles en grupos de tres, rompiendo así con la antigua disposición de figuras erguidas y consiguiendo un gran sentido del equilibrio. Un elemento psicológico constituye el núcleo de la acción. Cristo acaba de anunciar la traición y los apóstoles dudan, se preguntan... cada individuo es un retrato minucioso. Doble iluminación, frontal y en el fondo... la unidad de la obra es perfecta.

La Giocconda: obra con múltiples interpretaciones y lecturas. Retrato femenino compuesto con serenidad, majestuosidad y sencillez en atuendo y actitud. Con una expresión indefinible y enigmática, luciendo la típica sonrisa leonardesca. La figura irradia una deliciosa feminidad, como un ejemplo perfecto e ideal de la mujer.

La atmósfera que la envuelve es suave y sugerente. Perfecta ilustración en el fondo paisajistico de la perspectiva aérea.

San Juan bautista: carácter ambiguo.

RAFAEL

Se traslada a Florencia y su profunda capacidad receptiva absorbe el estilo de los grandes pintores del momento, su estilo cambia, hacia una mayor simplificación: menos figuras, composiciones triangulares, mayor riqueza en actitudes y movimientos, retratos leonardescos...

A los 25 años se instala en Roma y Julio II le encarga la decoración al fresco de varias estancias vaticanas, trabajo que irá alternando con la pintura de retratos, madonas y otras obras religiosas, obteniendo una vida de gran reconocimiento social.

El mérito de Rafael consiste en haber sabido conciliar tendencias muy opuestas. Dibujante y colorista técnicamente perfecto, que llevará a la perfección muchos hallazgos y tentativas anteriores.

Obras religiosas: entre las que destacan las sagradas familias y sus madonas de simple y serena grandeza.

Retratos: realistas, cuidados, descriptivos del carácter... “el cardenal”

Frescos: del Vaticano. Vastos conjuntos organizados según una visión escénica monumental: escuela de Atenas: en el centro platon y Aristóteles, guían los caminos de la filosofía. Es la obra maestra de Rafael y en ella se hallan resumidos todos los hallazgos pictóricos del momento utilizados con una maestría y agilidad insuperables: la claridad geométrica, la perspectiva, la composición de muchos personajes, el diseño global y armónico, la fuerza expresiva de los gestos...

MIGUEL ANGEL

Formado como pintor en el taller florentino de Ghirlandaio allí aprende la firmeza del dibujo y estudia las obras de Giotto y Massaccio, de ellos tomo las formas sencillas y monumentales que confieren grandeza y dignidad a sus figuras.

A lo largo de su vida realizará importantes y numerosos dibujos. Sus figuras son similares a sus esculturas, heroicas, monumentales, de enormes proporciones, que albergan almas impetuosas de forma que fuerza física y moral se desequilibran. Elimina fondos paisajisticos o arquitectónicos de forma que toda la energía expresiva se concentra en las figuras. El dibujo delimita las formas rotundamente, el modelado de volúmenes es muy fuerte. El color en general es claro, incluso utiliza tonos inusuales. Las composiciones son equilibradas, compensadas simétricamente, el movimiento armonioso... en sus últimas obras surgirán violentos escorzos, tensión, dramatismo, movimiento...

Techo de la Capilla Sixtina: tiempo récord debido a la gran dureza del trabajo. Contó con la colaboración de algunos ayudantes.

Miguel Ángel desarrolló un inmenso programa luchando contra las irregularidades de los lunetos y reuniendo más de 350 figuras de tamaño superior al natural. En primer lugar fingió una arquitectura de arcos, cornisas, pilastras, medallones... para separar las escenas y figuras, creando efectos ilusorios de relieve. La composición se ordena en varias zonas: lunetos y pechinas se sitúan los Genios (desnudos broncineos). En la zona intermedia aparecen profetas, Sibilas y los ignudi (jóvenes desnudos contrapuestos). En la zona superior alternando un rectángulo grande y otro pequeño aparecen escenas del génesis... destacando la “creación de adán”, donde se presenta el acto de creación con grandeza dramática.

El resultado del conjunto es de una gran originalidad y creatividad. Con una gran riqueza en actitudes y posturas y expresiones. La pincelada es vigorosa, las figuras concebidas como esculturas. Fusión perfecta de arquitectura, escultura y pintura.

Juicio final: en este fresco irrumpirá incontenible la terribilitá del maestro. La escena se desarrolla en un inverso sin referencias espaciales o temporales. Las figuras se agrupan en círculos concéntricos en torno a la figura enérgica de Cristo. El Cristo levanta el brazo para levantar todo el peso de su justicia mientras con el otro brazo parece rehuir lamento. En torno a él: santos, apóstoles, patriarcas... al lado del juez aparece María, acobardada, símbolo de misericordia.

El color con predominio de azules y marrones es más rico y jugoso que n el techo. El conjunto aparece estructurado en varias franjas: abajo caronte y su barca fatídica. En la zona intermedia la resurrección de los muertos, en el lado izquierdo el ascenso de los bienaventurados, en el derecho el descenso de los condenados. En el centro el Cristo juez... existe un movimiento de rotación que abarca a todas las figuras entre las que hay espectaculares escorzos, diagonales, una agitación dinámica recorre toda la pared y los cuerpos en tensión. Es una visión sombría y pesimista, un terrible dramatismo late en toda la composición. La escena es grandiosa, impresionante y teatral en su conjunto. Para acabar decir que el significado escatológico, se añade un significado cosmológico. En la parte superior, unos ángeles portan los símbolos de la pasión.

Venecia:

Características: sensualidad, gusto por el color, por los temas secundarios, amor al detalle, exaltación de la riqueza, contemplación poética del paisaje...

GIORGONE:

Iniciador de la escuela. Pintaba sin boceto previo, su éxito radico en armonizar los colores intensos de la escuela veneciana con sugestiones de luz y sombra. Luz y color no están ya separados ni yuxtapuestos sino perfectamente fundidos. Las sombras resultan más transparentes y en ellas hay colorido.

Obras: “concierto campestre” “Venus dormida”

TIZIANO

Discípulo de Dellini y Giorgone. Con él la pintura llega a un a gran cima al ser considerado uno de los más grandes coloristas de todos los tiempos, sus colores cálidos, llenos de brillos y destellos serán insuperables.

Desarrollo una amplia temática:

• Sus obras religiosas tocan cimas de espiritualidad.
• Obras mitológicas y alegóricas: sensuales, vitales, con desnudos... “el amor divino y el amor humano” “la bacanal”: armonías de luz y movimiento, brillos, reflejos de luz, desnudos, temas infantiles...
• Sus retratos: solemnes, vivos: “Carlos V”

VERONÉS

Su obra constituye un gran conjunto escenográfico: grandes palacios de mármol, con columnatas, balaustradas, jardines, fuentes... y una multitud de personajes con ropajes y joyas fabulosas.

Utiliza puntos de vista bajos creando una gran ilusión de espacio. Representan teatralmente los temas religiosos, con personajes de la época dando entrado bajo una arquitectura paladina a los liviano y anecdótico. Falta pues a su pintura, religiosidad. Su colorido es rico y suntuoso. Gran detallismo. Grandes formatos.

Obras: “cena en casa de leví”: exotismo, brillo de rasos, oro, lata... “las boda de caná”

TINTORETTO

Dramatismo, manejo de luces, el uso de diagonales...

Debe a Miguel ángel su pasión por lo colosal, el movimiento, el escorzo, las perspectivas...

Sus composiciones son complejas. Utiliza grandes formatos. Su movimiento tenso, inestable.

Gran perspectiva, utiliza puntos de vista bajos.

Gran sentido dramático.

Estudia profundamente el problema de la luz que usa con gran imaginación, sus claroscuros son de contrastes violentos, sus tenebrosidad anuncian a Caravagio y a Rembrandt.

Temática esencialmente religiosa y también temas paganos.

“El lavatorio”, “traslado del cuerpo de san marcos”: asimetría, desplazamiento del tema principal, juegos violentos de luz, escorzos...